viernes, 31 de octubre de 2008

San Isidoro de Sevilla

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San Isidoro en la Biblioteca Nacional de Madrid
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de José Alcoverro i Amorós (1835-1908)
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jueves, 30 de octubre de 2008

Castillo de Alnwick en Northumberland

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de Giovanni Antonio Canal (1697 – 1768)
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miércoles, 29 de octubre de 2008

Vista de Cartago con Dido y Eneas

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de Claudio de Lorena (1602-1682)
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martes, 28 de octubre de 2008

Rapelle-toi Barbara

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de Ouka Lele (1976 - actualidad)
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lunes, 27 de octubre de 2008

Crucifjo con escenas de la pasión

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del Maestro de San Francisco Bardi (1240-1270)
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domingo, 26 de octubre de 2008

La Dama de Elche

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La Dama de Elche representa a una mujer ricamente vestida con una doble túnica sobre la que lleva un manto que le cubre la cabeza y los brazos y que presenta pliegues en zig-zag en sus bordes asimétricos. Luce tres hileras de collares abigarrados, uno con lengüetas, el del centro es de anforillas (según los expertos para contener perfumes). En la cabeza lleva un tocado muy complicado, compuesto por un velo sujeto sobre una peineta adornado con diademas, posiblemente de oro, y por dos enormes discos o rodetes a los lados del rostro, junto a los que cuelgan dos aparatosas arracadas formadas también por multitud de anforillas.
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El rostro presenta una gran serenidad y belleza muy sencilla, con los ojos algo oblicuos, una nariz recta, pómulos ligeramente marcados y una boca de labios bien diseñados, con restos de policromía. Tiene un ligero aire melancólico.
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La función de la escultura es probable que sea funeraria: posiblemente era una urna cineraria ya que en la espalda tiene un hueco para meter las cenizas del muerto (igual que la Dama de Baza). No sabemos quién es esta dama: podría ser una sacerdotisa o bien una señora de la aristocracia difunta o más probablemente una diosa-madre que acompaña al fallecido al otro mundo.
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sábado, 25 de octubre de 2008

Lovers with Daisies

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de Marc Chagall (1887-1985)
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viernes, 24 de octubre de 2008

Esperando la pesca (playa de Valencia)

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de Sorolla (1863-1923)
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jueves, 23 de octubre de 2008

miércoles, 22 de octubre de 2008

Teatro Real de Madrid

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de López Aguado (1764-1831)
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El Teatro Real de Madrid fue proyectado por López Aguado en 1818 pero su construcción se dilató en el tiempo debido a los problemas económicos de la Casa Real, falleciendo durante este tiempo Lópéz Aguado y designándose a Custodio Moreno nuevo director de las obras. Moreno siguió los proyectos de López y en 1850 recibió estrictas órdenes de realizar la obra en cinco meses. El edificio presenta planta hexagonal y dos fachadas, una que da a la plaza de Oriente coronada con un frontón triangular- y otra a la de Isabel II. Tiene tres plantas en las que apreciamos la admiración por el neoclasicismo expresada por López Aguado en esta obra.
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martes, 21 de octubre de 2008

Retablo de San Juan Bautista y Santa Catalina

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de Juan de Sevilla (1643-1695)
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lunes, 20 de octubre de 2008

La joven liebre

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de Alberto Durero (1471-1528)
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domingo, 19 de octubre de 2008

Composición VI

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En esta obra, Kandinsky logró disolver las formas en una representación puramente pictórica, abstracta, donde los colores se independizan de los objetos. Según explicó en Mirada retrospectiva, la tela consta de tres centros.
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El primero, a la izquierda, es "difuso, rosado, delicado, con líneas débiles e inseguras en el centro". De él parte en diagonal un haz de colores que representan la lluvia torrencial y conduce al segundo, a la derecha. Éste es "tosco, azul y rojo, ligeramente disonante con líneas precisas, marcadas, casi malvadas". En la parte inferior se sitúa el tercero, donde "se diluyen el blanco, el rosa y el azul en medio de una especie de neblina. [...] Este lugar determina el tono interior de todo el cuadro"
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de Kandinsky (1866-1944)

A pesar de que Kandinsky se inspiró en El Diluvio, una pintura sobre cristal del año anterior, aseguró que sería un error considerar esta obra como la representación de un acontecimiento. Entre la confusión apocalíptica, es posible identificar la barca de remos en el ángulo inferior izquierdo, dos figuras yacentes en el extremo opuesto, y, sobre ellas y compartiendo la forma, el perfil de un barco de vela, entre otros elementos.

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sábado, 18 de octubre de 2008

La Grenouillère

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El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX; irá en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino, y su objetivo era conseguir una representación del mundo más espontánea y directa, recurriendo a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica.
- de Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
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Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, siempre con personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por sus formas gruesas.
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viernes, 17 de octubre de 2008

Dédalo e Ícaro

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De Frederick Leighton (1830-1896)
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jueves, 16 de octubre de 2008

Arearea

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de Eugène Henri Paul Gauguin (1848-1903)
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miércoles, 15 de octubre de 2008

Mausoleo de Teodorico

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Este mausoleo fue levantado bajo el mandato del rey Teodorico el Grande entorno al 520 d.C., queriendo asegurarse el poder contemplar el lugar donde descansarían sus huesos una vez muriera. Todo él está construido con grandes sillares de mármol blanco de Istria y tiene una planta decagonal. El edificio consta de dos pisos, el inferior posee nichos bajo cada arco, y en su interior alberga una planta cruciforme. En su exterior, referidos aún a éste piso, encontramos una única entrada, y rodeando el edificio, una serie de arquerías cegadas, meramente como motivo ornamental, ya que se utilizaban para crear efectos claroscuristas en la sobriedad de los sillares de piedra blanca (en este caso). En la segunda planta se encuentra un pequeño pasillo circular que bordea el edificio, y una única puerta de acceso a éste. Por lógica es en este piso donde debiera haberse enterrado los restos de Teodorico, para proteger sus restos de los saqueadores de tumbas,pero no fue así,y sus restos descansaron en la primera planta,sin complicar el acceso a quienes quisieran penetrar sus muros. (Obviamente no tardó en ser saqueado)
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El segundo piso está coronado por un gran monolito de mármol, y es este el que otorga la mayor fama al edificio, cubriendo la estancia superior a modo de tapadera. Tiene un diámetro de casi 11 metros, pudiendo pesar esta parte únicamente unas 300 toneladas. Ésta falsa cúpula está redondeada de 12 asas rectangulares que sirvieron para sostener 12 estatuas de los apóstoles (se sabe esto porque aparece inscrito cada nombre en cada una de ellas). El friso que se encuentra más abajo, y rodea también el edificio tiene unas formas geométricas, como son las fíbulas, muy utilizadas en la decoración de ésta época.
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martes, 14 de octubre de 2008

Bodegón con Cebollas

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Paul Cezanne nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence,sur de Francia. Paul Cezanne era hijo de un banquero acaudalado, Paúl Cezanne conoció en su infancia a Émile Zola. A finales de los años cincuenta Paul Cezanne decide dedicarse a la pintura, aunque comienza estudios de derecho para complacer a su padre. En 1862 Paúl Cezanne inicia sus estudios de arte en París. Cezanne asiste a la Académie Suisse para ejercitarse en el dibujo. Allí conoce a Guillaumin. Las primeras obras Paul Cezanne las realizó con pigmentos espesos y en tonos oscuros .Paul Cezanne desarrolló un estilo pictórico duro, denso, espeso, de fuertes pinceladas, que toma como modelo al italiano Caravaggio y al español Diego Velázquez.
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de Paul Cezanne (1839-1906)

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La influencia más significativa en sus comienzos fue la de C. Pissarro, que le introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Bajo la tutela de Pissarro, en el periodo comprendido entre 1872 y 1873 Paul Cezanne, pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. Los impresionistas le aceptaron dentro del grupo y Paul Cezanne expuso con ellos en 1874 y 1877. La gran aportación a la pintura de Paul Cezanne se realizó tras la disolución del grupo impresionista, cuando deriva hacia una pintura más intelectualizada. Durante la década de 1880 pasó gran parte tiempo en su Aix-en-Provence natal. En 1886 Paul Cezanne creyó ver referencias a sus fracasos en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y consiguió la independencia económica, aunque permaneció en su aislamiento social.
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Paul Cezanne siguió pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, y fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura. Paúl Cezanne se lamentaba de su fracaso en la representación de la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas (c. 1899-c. 1906, Museo de Arte, Filadelfia), revelan unas distorsiones curiosas. En el año 1895 Ambroise Vollard, marchante parisino, organizó una exposición de las obras de Paul Cezanne y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes. Hacia 1904 Paul Cezanne, alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura. Muchos pintores jóvenes viajaron hacia Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo en sus últimos años antes de su muerte. Paul Cezanne fallecía el 22 de octubre de 1906 en Aix-en-provence, pero ya había logrado un prestigio considerable.
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lunes, 13 de octubre de 2008

Gálata suicidandose

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de Epígonas (s III a.C.-Escuela de Pérgamo)
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domingo, 12 de octubre de 2008

El descubrimiento de América por Colón

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(de Dalí 1904-1989)
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sábado, 11 de octubre de 2008

Calle Vieja

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de José Antonio Aguado (1954 - actualidad)
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viernes, 10 de octubre de 2008

La Catedral de Salisbury

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de John Constable (1776-1837)
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jueves, 9 de octubre de 2008

Virgen con Niño

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Anónimo del Siglo XIII
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miércoles, 8 de octubre de 2008

Capilla de los Scrovegni

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Este conjuntos de frescos son considerados como la obra maestra de Giotto. Fueron encargados por Enrico Scrovegni, un poderoso terrateniente florentino, con el objetivo de decorar la capilla particular de la familia en Padua. Este hecho representaba un paso adelante en el mecenazgo del arte, que ya no dependería exclusivamente de la Iglesia ni de las instituciones para su subsistencia.
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de Giotto de Bondone (1267-1337)

La pintura se estaba convirtiendo en un artículo de lujo que comenzaba a tener una demanda notable por parte de la burguesía, la cual quería hacer ostentación de su poder económico. Los palacios, las capillas, etc., se convertirían en nuevos ámbitos para la labor de los artistas, que ya no se vieron limitados a los edificios de carácter religioso. Se generó una modificación sustancial en los temas representados, tal y como pasó con la escuela flamenca, los nuevos motivos respondían a los centros de interés de la burguesía (su forma de vivir, el ámbito familiar, las gestas heroicas, etc.).
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La función de los frescos de la colección de la capilla Scrovegni es claramente decorativa, pese a estar inspirados en motivos religiosos. Cuando Enrico Scrovegni encargó la construcción de la capilla lo hizo, siguiendo la costumbre de la época, como expiación por las acciones de su padre, un famoso usurero.
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martes, 7 de octubre de 2008

Interior metafísico con taller

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de Giorgio de Chirico (1888-1978)
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Chirico fue un pintor italiano de origen griego creador la escuela de pintura metafísica. Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una gran influencia de las obras alegóricas del pintor suizo del siglo XIX Arnold Böcklin. En Turín, Florencia y París, donde se instaló en 1911, pintó sus primeras obras metafísicas, las cuales evocan un mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y sombras y de una perspectiva exagerada.
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Mientras hacía el servicio militar en Ferrara en 1915, de Chirico conoció al pintor futurista Carlo Carrà y juntos fundaron la revista Pintura Metafisica en 1920. Entre 1915 y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica que luego adoptarían los surrealistas; de hecho, entre 1924 y 1930 proporcionó un gran impulso al movimiento surrealista e influyó en artistas del movimiento de la talla de Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de 1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió en un retratista de éxito.
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lunes, 6 de octubre de 2008

Mosaico de Neptuno y Anfítrite

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Mosaico del templo dedicado a las ninfas de Herculano
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domingo, 5 de octubre de 2008

La reliquia

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(de Joaquín Sorolla 1863-1923)
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sábado, 4 de octubre de 2008

Arlequín y payaso con careta

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Rafael Zabaleta nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los principales pintores de vanguardia. Realizó su primera exposición en la galería Biosca de Madrid en 1942, por la que recibió una crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a calificarlo como el pintor más importante de su época.
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de Rafael Zabaleta (1907-1960)
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Un extraño surrealismo ‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a medida que crece el interés por representar su pueblo natal, Quesada, con fuerte cromatismo y aire geometrizante que le acercan al fauvismo y también al aire ingenuo del arte naïf. Sus obras de madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite hablar de una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo con el que están pintadas. En el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del expresionismo.
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viernes, 3 de octubre de 2008

Monasterio de Sant Pere de Rodes

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San Pere de Rodes representa lo que conocemos como estilo románico catalán, el cual, pese a recibir influencias de la escultura decorativa visigoda, de la monumentalidad carolingia y del arte mozárabe, se erigió como un estilo propio, bien diferenciado del arte lombardo, que tanta importancia tuvo en lo que se ha considerado como primer arte románico de Cataluña.
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La leyenda y las desbocada imaginación del algunos cronistas ha rodeado al monasterio y a las cercanías de narraciones fantásticas. La leyenda más antigua, recogida por el cronista Pujades y por Verdaguer en su Canigó, explica que, hacia el año 600, unos clérigos que huían de Roma en un barco desembarcaron en la costa pensando que habían llegado a Francia. Los religiosos escondieron, entre otros, el brazo y la cabeza del apóstol San Pedro para librarlos de la profanación, porque Roma se encontraba amenzada por las invasiones. Con el tiempo se edificó el monasterio en el lugar en el que habían escondido las reliquias.
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Las primeras referencias própiamente históricas de San Pere de Rodes son del 878. La independencia del monasterio y su reforma constructiva, señal que había adquirido más relevancia, tuvieron lugar en tiempos del noble Tassi, entre los años 926 y 944, que obedeciendo un precepto del rey Luís, que nombraba a su hijo Hildesindo primer abad del monasterio. Hacia el 958 se acabó la cabecera de la iglesia, que selló así una primera etapa constructiva donde es fácil apreciar rasgos mozárabes, como el gran arco toral con una tímida forma de herradura que da entrada a la nave central. La iglesia fue consagrada por el arzobispo de Narbona Guifredo en el 1022.
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jueves, 2 de octubre de 2008

Anunciación y Adoración de los Magos

-de Guido di Pietro da Mugello (1390 - 1455)

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miércoles, 1 de octubre de 2008

Embarco de Carlos III en Nápoles

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(de Antonio Joli 1700-1777)
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