Santa Justa y Santa Rufina

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Grupo realizado por Juan de Dios en la Catedral de Sevilla
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Támbor de la columna del templo de Artemisa

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Relieves atribuidos a Escopas

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Auroch dibujado en la llamada Rotonda de los Toros

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Pintura rupestre de Lascaux

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Leónidas en las Termópilas

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de Jacques-Louis David (1748-1825)

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Adán y los tres angeles

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de Marc Chagall (1887-1985)

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Torre del Oro

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Torre militar de la antigua Ishbiliya (s. XIII)

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Fresco de los amores de Venus y Marte

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Pintura procedente de la casa de

M. Lucretius, en Pompeya (s. I d.C.)

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Audiencia en casa de Agripa

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de Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912)

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La resurreción

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de El Greco (1541-1614)

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El entierro de Cristo

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de Caravaggio (1573-1610)

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Cristo muerto en la cruz

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de Zurbarán (1598-1664)

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Jesucristo camino del Calvario y la Verónica

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de Juan de Valdés Leal (1662-1690)

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La flagelación

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de Caravaggio (1573-1610)

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La presentación ante Caifás

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de Giotto (1267-1337)

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La agonía en el jardín

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de El Greco (1540-1614)

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La entrada a Jerusalén

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de Pietro Lorenzetti (1280-1348)

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El faraón combatiendo a los asiáticos

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Cofre de madera pintada procedente de la tumba de Tutankhamón
(anónimo de la XVIII Dinastía)

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Apolo Sauróctonos

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de Praxíteles (s. IV a.C.)
copia romana de mármol

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El beso

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de Gustave Klimt (1862-1918)

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Las dos Marilyns

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de Andy Warhol (1928-1987)

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Miniatura de Alfonso X

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Miniatura de Alfonso X con la corona y el manto real dictando el Libro del Ajedrez, de los Dados y de las Tablas. Se encuentra en la Biblioteca del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

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(autor anónimo, s XIII)

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El origen de la Vía Láctea

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de El Tintoretto (1518-1594)

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El jardín del amor

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Volvemos a encontrarnos aquí, como en tantos otros lienzos de Rubens en el Prado, con algo que le fue muy querido y que retuvo cerca de sí en la lujosa casa palacio que habitó en Amberes. Este lienzo, el jardín del amor o El jardín de las Gracias, es un homenaje, cortesano y sensual, de Rubens a su segunda esposa Elena Fourment, con la que casó enamoradísimo en 1630, cuando ella contaba con sólo dieciséis años y él cincuenta. En el jardín de su propia casa, Rubens ha reunido a sus amigos en una fiesta galante que honran los amores con sus vuelos. Se reconoce al propio pintor y a su joven esposa, y una atmósfera de sensual cortesanía invade el lienzo, que hubo de admirar y dejar huella en artistas del siglo XVIII, especialmente en Watteau. Obra de madurez, pintada hacia 1638, Rubens luce en ella toda su maestría con una libertdad de pincel y una audacia en el color y en el toque, excepcionales. Se conoce una excelente réplica de dimensiones algo menores, e infinidad de dibujos preparatorios para los grupos. Adquirido en la testamentaria del pintor, Felipe IV lo tuvo en su alcoba.

de Rubens (1577-1640)

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Ares Ludovisi

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El llamado Ares Ludovisi es una obra atribuida a Lisipo, el último escultor del período clásico. Perteneciente al segundo clasicismo, al siglo IV a.C, destacará junto a otros dos escultores famosos: Praxiteles y Escopas. Lisipo fue el escultor predilecto de Alejandro, trabajó para él y sus compañeros, lo que le dio gran fama y notoriedad. Fue excesivamente prolífico, pues todo apunta a que llegó a ejecutar más de 1.500 obras. Las primeras de las que conservamos copias fidedignas parecen ser posteriores al 350 a.C.; pero lo cierto es que su trayectoria escultórica comienza sin duda antes de esta fecha.La mayoría de sus obras fueron cuerpos de atletas a los que parece darles vida y en donde el movimiento se articula con toda verosimilitud, captados en magníficas instantáneas. Fue un renovador de la técnica escultórica. Él mismo se congratulaba de no seguir los modelos de sus predecesores.Como todo escultor griego buscaba un ideal de belleza basado en el equilibrio y la proporción, pero destacó por representar a los hombres "tal como se ven" y no "como son". Revolucionó completamente las proporciones elaborando su propio canon. Intentó dar a sus esculturas una marcada esbeltez mediante la reducción del tamaño de las cabezas contraponiéndolas a las largas piernas. Los músculos tensos animaban las figuras, las cuales mantenía algo del pathos de Escopas. Sin embargo, el elemento más característico de su producción fue el otorgar a sus obras múltiples puntos de vista: sus estatuas invitaban a darles la vuelta, a ser admiradas desde cualquier perspectiva desvelando, de esta manera, aspectos diferentes en cada nueva posición.

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(copia de época antonina)

En la estatua de Ares Ludovisi emergen de manera ejemplar todos los rasgos que se le atribuyen. El dios de la guerra se presenta desnudo, sentado, pero sin desprenderse de su espada que sostiene con la mano izquierda. A pesar de estar descansando, se está conteniendo en su marcha, aguantando una pierna con las manos, impaciente, inquieto, como corresponde al belicoso dios. Tiene jugueteando entre sus piernas el amorcillo que le impide incluso levantarse y salir a guerrear. La cara conserva todavía la mirada profunda y patética típica de Escopas; pero en cambio, la obra de Lisipo es una estatua con múltiples facetas. Se acentúa la tendencia al realismo al dar más importancia a la expresión y al movimiento. Un realismo que abrirá las puertas del helenismo. En este período, la exaltación de las emociones y de las pasiones, sin olvidar el movimiento en sus formas, se antepondrá a todos los demás conceptos. A los ritmos estáticos, el célebre escultor contrapone un verdadero estado de agitación. En el joven Ares de semblante relajado, se desprende una tensión de movimiento en su cuerpo. Una inquietud que se contrapone con el aspecto de serenidad que despierta. Esta es la clave de arte de Lisipo. La copia del original del Ares Ludovisi de Lisipo, fechado hacia el 320 a.C, se conserva en el Museo de las Termas de Roma, aunque también hay otra copia de la misma obra en el Museo de Nápoles.

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La habitación de Van Gogh en Arles

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Vincent realizó diferentes versiones de este célebre cuadro, que representa su habitación en la Casa Amarilla en Arles. Según el propio artista mirando el cuadro "uno debería dejar descansar el cerebro o, mejor dicho, la imaginación". Al contrario que la mayoría de sus cuadros, como el "Café por la noche", Vincent escogió tonos tenues y el acorde principal de ocre y azul tiene sin duda un efecto tranquilizador sobre el observador. El espacio, abierto a nuestra mirada, parece acogernos, invitando al silencio y al recogimiento.

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de Van Gogh (1835-1890)

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Todos los objetos (las sillas, la mesita, los cuadros de las paredes) se dirigen hacia el interior, mientras la ventana cerrada del fondo y las dos puertas de los lados eliminan cualquier riesgo de claustrofobia perceptiva. Incluso el color está aplicado de forma lisa, sin recurrir a las pinceladas espesas y pastosas ni a los toques breves y enérgicos tan característicos de su arte. Vincent, en suma, ha representado una isla feliz, el ideal doméstico, ordenado armonioso que respondía quizá a sus deseos pero no desde luego a sus inclinaciones. Los pocos objetos personales, los cuadros, la servilleta colgada, la colcha roja, la jarra de agua sobre la mesa, contribuyen a dar a la estancia el aspecto de un lugar que muestra el carácter de su habitante, una morada llena de paz que el pintor raras veces halló en vida.

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Catedral de Milán

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Catedral del s XIV

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La Virgen con el niño y Santa Ana

El tema de Santa Ana, la Virgen y el Niño fue tratgado en varias ocasiones por Leonardo. La primera en el Burlington House Cartoon, la segunda la pintura inacabada que se halla en el Louvre y una presunta tercera difícil de localizar y cuya existencia se deduce de las informaciones dadas por Vasari y Fra Pietro de Novallera, agente en Florencia de Isabella d'Este, aunque cabe la posiblidad de que ambos se refieran a versiones diferentes o confundan las dos mencionadas.

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El monje carmelita escribe a Isabella d'Este, en respuesta a su insistente reclamo para que el maestro Da Vinci le pintara un cuadro, que "el estilo de vida de Leonardo es muy incierto y cambiante; parece vivir sin preocuparse del futuro. Desde que está en Florencia ha pintado solamente un cartón en el que se ve a un Cristo a la edad aproximada de un año que, soltándose de los brazos de la madre, coge un cordero como para abrazarlo. La madre, levantándose del regazo de Santa Ana, coge al niño para apartarlo del cordero, animal sacrificial que significa la Pasión. Santa Ana parece querer impedir a su hija que aparte al Niño del cordero, lo que significa tal vez que la Iglesia no quiso impedir la Pasión de Cristo. Estas figuras son de tamaño natural, pero están en un cartón pequeño, porque se encuentran todas sentadas o inclinadas; cada una, colcada delante de la otra, a la izquierda"

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La descripción parece corresponder a un dibujo que se halla en la Accademia de Venecia y no al Burlington House Cartoon, donde no hay ningún cordero, ni a la pintura del Louvre. En ésta santa Ana no intenta retener a su hija, sino que observa la escena con un aire divertido en el rostro, y las figuras no están situadas a la "izquierda, una delante de la otra", sino a la derecha.

También el apunte de Vasari parece aludir, acaso fundiendo las dos versiones, a una tercera, en la que se ve a santa Ana, la Virgen, el Niño y san Juan niño "jugando con un corderito". De ser así estaríamos ante un grupo de cuatro figuras y el cordero formando una compleja estructura piramidal.

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Las figuras de santa Ana y María, cuyas edades no difieren tanto, son representadas por Leonardo como un solo cuerpo del que se puede visualizar el desarrollo de la secuencia de un movimiento. Esta cadencia rítmica encuentra continuidad en el cuerpo del niño cogiendo el cordero y en los pies visibles de las mujeres, que acentúan la idea de unidad física. Para lograr este efecto, Leonardo tuvo que forzar la composicón de modo que la posición del pie derecho de la Virgen resulta extraña hasta que el observador descubre las verdaderas posiciones de los cuerpos y la íntima relación de los mismos, incluido el del Niño. Esta unidad contribuye a la atmósfera familiar, como un eco de los cuadros de la Virgen con el Niño, en los que la realidad íntima prevalece sobre el estricto tono religioso. El sfumato y el tratamiento de la luz cobran aquí gran importancia en relación con la atmósfera y el tono intimista de la escena.

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de Leonardo da Vinci (1452-1519)

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La unidad compositiva y el extraordinario dinamismo del grupo que domina el espacio quedan connotados a su vez por el paisaje de fondo, caracterizado por los picos montañosos cubiertos de bruma, que sitúan en un plano alto la línea del horizonte, y constituyen un poderoso entorno para el grupo.

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Mosaico de las tres Gracias

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Mosaico romano del s I d.C. procedente

del museo arqueológico de Barcelona

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Patio de los naranjos

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Patio de los Naranjos de la catedral de Sevilla, resto del antiguo sahn de la mezquita aljama. Construído en la época de dominio almohade de la ciudad.(1172-1176).

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Paisaje con ruinas

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de Canaletto (1697-1768)
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La família de Darío ante Alejandro Magno

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Cuando las fuerzas de Alejandro llegaron por fin al lugar donde yacía el rey se encontraron que Darío se aferraba a duras penas a la vida. Estaba en su último aliento, pidió de beber y tomó agua fría y dijo: "esta es la deshonra final, tener que aceptar un servicio tuyo y no poder devolvértelo, pero Alejandro te recompensará tu bondad y los dioses le pagarán su cortesía con mi madre, mi esposa y mis hijas", dicho eso murió.

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Al llegar Alejandro mostró su pena por la muerte del rey y desabrochándose su capa cubrió el cuerpo del rey muerto. Más tarde cuando capturó al asesino de Darío ordenó que inclinaran los troncos de los árboles y ataron a cada uno una parte de su cuerpo para que al soltar los árboles y volver a su posición el cuerpo quedara partido en dos. En cuanto al cadáver de Darío ordenó enviarlo a Babilonia para que su madre pudiera hacer un funeral de estado digno de su persona.

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(detalle)

En este lienzo de El Veronés se nos presenta la anécdota que Plutarco narra en sus Vidas Paralelas y que en la película de Oliver Stone aparece cuando el general macedonio llega al harén persa. La madre de Darío se acercó a Hefestión y le trató como si fuera el rey, Alejandro y el resto de generales reían y la madre los miraba con desconcierto hasta que el propio Alejandro dijo que "Hefestión también era Alejandro". Aquí el pintor nos muestra a Hefestión mostrando con la mano izquierda al verdadero Alejandro.
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de El Veronés (1528-1588)

-100 días de ALVB des-de- de su creación-