ARS LONGA VITA BREVIS

El 2 de mayo

2009-05-02T10:40:00.002+02:00

Eugenio Lucas y Velázquez (1817-1870)
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De nuevo a empezar

2009-02-08T23:53:00.002+01:00

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Se acabó la espera, ya tenemos nuevo blog listo para que os hagais seguidores de éste ahora. Disculpad el no pasarme por aquí durante todo este tiempo.
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Rafa
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Turno de replicas

2009-01-06T01:29:00.004+01:00

A final de mes este blog podría seguir en activo o dejar de publicar. Antes de decidir eso, queremos saber la opinión de nuestros visitantes y someter el blog a sus críticas. Queremos saber qué os gusta y qué no, lo que cambiaríais o lo que dejaríais, cualquier comentario será bien recibido por nuestra parte. A final de mes haremos balance.

Hasta la fecha.

Feliz año a todos.

Puerta del Sol

2008-12-31T20:58:00.004+01:00

Feliz año nuevo a todos nuestros seguidores y visitantes

que 2009 os traiga el doble de felicidad, y, a poder ser,

nos toque algo con el Niño...

¡¡¡FELIZ 2009!!!

(Aprovecho para decir que durante el mes de

enero el blog permanecerá cerrado por examenes.)

Caracalla

2008-12-30T22:32:00.001+01:00

retrato del emperador Caracalla (s III d.C.)

Sibila délfica

2008-12-29T17:37:00.002+01:00

La Siblia de Delfos pertenece a la tradición oracular de la antigua Grecia y la Magna Grecia. Las sibilas eran en los templos de Apolo las herederas de las pitonisas, las sacerdotisas de Pitón, la serpiente que mató el joven dios, cuya belleza simboliza para Miguel Ángel la raíz pagana de su estética.

La Sibila délfica constituye una de las mejores y más hermosas pinturas de figuras femeninas de Miguel Ángel. Sobre todo por la composición y expresión de la joven que parece volverse hacia el espectador como si éste la hubiese llamado o sorprendido en el momento de su lectura de los textos sagrados. Pero de ese juego de miradas que se establece entre la Sibilia délfica y el espectador surge una tensión de misterio. Una tensión que expermienta quien mira a la siblia, pues sabe que no es él sino alguien desconocido o intangible situado fuera de la imagen el provcador del gesto de la sibilia.

de Miguel Ángel (1475-1564)

La contemplación de la Sibila délfica dirigiendo la mirada en dirección opuesta a la rotación de su cuerpo, que permanece estático en la posición anterior de lectura, y la sorpresa que expresan sus ojos y su boja entreabierta logran transmitirnos la profunda emoción que provoca en ella la visión y, en cierto modo, el eco de la voz que la ha inducido a volverse. Una vez más, como ya hizo en el Tondo Doni, Miguel Ángel recurre a la composición helicoidal para dar esa idea de vértigo contenido, de movimiento latente que se percibe a través de la disposición y torsión de los cuerpos, la expresión de los miembros y la mirada de sus personajes.

En la Sibila délfica, es el mismo cuerpo de la profetisa el que actua a modo de eje de torsión que dinamiza la escena, afectando también a otros elementos de la composición, como las dos figuras que aparecen a su derecha, una de ellas leyendo un escrito y otra asomandose por encima de éste, y ambas con sus cabellos ondulados, como el de la Sibila, en la misma dirección por una invisible brisa o acaso por la inercia del movimiento compositivo. Al contrario de otras figuras femeninas, como la Sibila cumana, la de Delfos muestra su aspecto más femenino, tanto en la delicadeza de sus rasgos, como en su expresión.

La matanza de los inocentes

2008-12-28T02:03:00.000+01:00

de Brueghel el Viejo (1525-1569)

Juan Carlos I firmando la Constitución

2008-12-27T11:01:00.002+01:00

de Pablo Serrano (1908-1985)
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"Esta Constitución entrará en vigor el mismo día de la publicación de su texto oficial en el Boletín Oficial del Estado. Se publicará también en las demás lenguas de España.

POR TANTO,

MANDO A TODOS LOS ESPAÑOLES, PARTICULARES Y AUTORIDADES, QUE GUARDEN Y HAGAN GUARDAR ESTA CONSTITUCIÓN COMO NORMA FUNDAMENTAL DEL ESTADO.

PALACIO DE LAS CORTES, A VEINTISIETE DE DICIEMBRE DE MIL NOVECIENTOS SETENTA Y OCHO."

San Esteban

2008-12-26T01:54:00.000+01:00

de Giotto (1267-1337)

Saturno devorando a sus hijos

2008-12-25T23:59:00.000+01:00

de Rubens (1577-1640)
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La Natividad

2008-12-24T00:24:00.002+01:00

-El equipo de ALVB os desea unas

felices fiestas y un próspero 2009-

Ésta natividad forma parte del panel central del tríptico que lleva su nombre, el pintor siguiendo la tradición impuesta por los flamencos que consistía en pintar al Niño con rayos de luz emanando de él (los bizantinos, con anterioridad, hacían que quedara iluminado desde el exterior por la estrella que guiaba a los Magos). Este detalle se popularizó a partir del sigo XIV por las Revelaciones de la mística sueca santa Brígida, que visitó Belén en 1370 y tuvo una visión de la escena: apuntó que la luz que irradaiba de Jesús anulaba la del candil (en esta tabla, una vela en manos de José).

__________________del Maestro de Ávila (s XV)

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La presencia del buey y el asno procede del Evangelio apócrifo de Mateo, que quizá recogía una creencia anterior. El Concilio de Trento prohibió colocar estos animales en las natividades dada su baja nobleza. En la parte superior del pesebre aparecen ocho angeles, en el siglo XIV se multiplicaron los áneles adoradores. En el arte anterior, y pese a que nada se dice en la Biblia, se colocaba sólo uno, el que había guiado a los Magos, conocido como ángel astroforo. José tiene en su mano derecha una vela en las manos, que servía para reforzar la idea de nocturnidad; a su lado, aparece el donante orando, que fue el comitente del retablo. Aquí se ha preferido un pesebre, tal como figura en el Evangelio de San Lucas. San Mateo, por su parte, cuando refiere la Adoración de los Magos habla de una casa. Algunas natividades se representan en una cueva o gruta, escenario tomado del Evangelio apócrifo de Santiago.

Sepulcros de Doña Juana y Don Felipe

2008-12-23T23:56:00.000+01:00

de Bartolomé Ordoñez (1490-1520)
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Arco triunfal de Alfonso I

2008-12-22T10:33:00.001+01:00

de Francesco Laurana (1430-1502)
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Camino bajo la nieve en Louveciennes

2008-12-21T10:21:00.001+01:00

de Alfred Sisley (1839-1899)

El emperador Maximiliano II y su familia

2008-12-20T23:49:00.000+01:00

Giuseppe Arcimboldo (1517-1593)

Icono de Vladimir

2008-12-19T10:35:00.000+01:00

En esta tabla se nos muestra la expresión del sentimiento de ternura que ya se muestra en el siglo X y XI con la Virgen de Eleusa o de la Ternura. Pese a esto no se comienza a difundir hasta la primera mitad del siglo XII. La más conocida de estas imagenes es la Virgen de Vladimir. La Virgen de Vladimir fue pintada en Constantinopla y fue llevada a Kiev en 1130. El 21 de septiembre de 1160, después de conquistar Kiev, el príncipe Bogoliubski trasladó el icono a Vladimir que sería el lugar que le daría su nombre. El 28 de agosto de 1395 un nuevo viaje la llevó a Moscú en procesión para implorar la salvación de las hordas de Tamerlán y depositada en la Catedral del Kremlin. La Virgen de Vladimir adquirió el símbolo de la lucha contra la invasión de los tártaros.

En esta imagen Maria junta sus mejillas con las del Niño, mientras que Jesús se abraza al cuello de su madre. Este model se extendió rapidamente en la pintura mural de aquel tiempo. En el siglo XII los personajes sagrados se humanizan bruscamente y experimentan sentimientos. En lugar de participar, el mensaje que transmite el fiel, el dolor y la ternura de María, o los sufrimientos de Cristo, es decir, el estilo, que al mismo tiempo representan estos valores, evolucionan a una dirección opuesta a la interpretación realista.

Presentación de la Virgen en el Templo

2008-12-18T10:00:00.000+01:00

Anónimo Bizantino

Descanso en la huída a Egipto

2008-12-17T00:51:00.001+01:00

de Murillo (1618-1682)

Partido que hubieron, el ángel del Señor se apareció en sueño a José y le dijo: "Levántate, toma al niño y a su madre y huye a Egipto, y estae allí hasta que yo te avise, porque Herodes va a buscar al niño para matarlo". Levantándose de noche, tomó al niño y a la madre y se retiró hacia Egipto, permaneciendo allí hasta la muerte de Herodes, a fin de que se cumpliera lo que había pronunciado el Señor por su profeta, diciendo: "De Egipto llamé a mi hijo".

Entonces Herodes, viéndose burlado por los magos, se irritó y mandó matar a todos los niños que había en Belén y en sus términos de dos años para abajo, según el tiempo que con diligencia había inquirido de los magos. Entocnes se cumplió la palabra del prfoeta Jeremías, que decía así:

"Una voz se oye en Ramá, lamentación y gemido grande; es Raquel, que llora a sus hijos y rehúsa de ser consolada, porque no existen"

El Gran Autómata

2008-12-16T21:07:00.000+01:00

De Giorgio de Chirico (1888-1978)

Triunfo del Sileno

2008-12-15T09:23:00.000+01:00

de Antoon van Dyck (1599-1641)

1 año de ALVB

2008-12-15T00:09:00.003+01:00

Os comunico a todos que éste, nuestro humilde blog, ha cumplido un añito y mi collega y yo queremos daros las gracias a todos por hacer posible que esto siga adelante, sin vosotros no sería lo mismo, muchísimas gracias a todos.

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Rafa

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Mitraeum

2008-12-14T10:38:00.001+01:00

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La extraordinaria difusión del culto solar de Mitra en el occidente romano y en la propia capital en el decurso del siglo II y druante el III determinó la construcción de numerosos santuarios y su decoración, en la mayoría de los casos bastante simple, constituida por pequeños bajo relieves representando la mítica muerte del toro, inscritos en el fondo del spelaeum. En algun caso, como en el que aquí se muestra de Marino, cerca de Roma, o en la misma Roma y en Oriente, la decoración de la sala es simplemente pictórica.
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En el fondo de la gruta está situado el fresco, en el que campa, encuadrada por un marco rocoso y sobre un fondo oscuro, la figura de Mitra vestida con los rojos ropajes orientales y representado en el tradicional y cosmogónico gesto de matar al toro, en que la sangre se la beben animales simbólicos como el perro, la serpiente y un escorpión. Asisten dos figuras vestidas como Mitra, los jovenes Cautes, con la antorcha dirigida hacia arriba, símbolo del sol naciente, y Cautopato, con la antorcha hacia abajo como símbolo del sol poniente, mientras que de arriba, en los margenes de la representación, dos cabezas de Sol y de Luna aluden a la presencia celeste durante el sacrificio. En cada uno de los sitios de la escena central hay cuatro cuadaditos superpuestos en los que se representan varias vicisitudes de la leyenda mitraica: la gigantomaquia primigenia, el nacimiento de Mitra de una roca, la caza del toro, la sumisión solar a Mitra o la apoteosis del mismo.

Don Alfonso en Hendaya

2008-12-12T00:27:00.002+01:00

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Grabado anónimo del s. XIX que muestre el momento en el que S.M. el rey Alfonso XII parte de Hendaya para realizar unas visitas de estado a Austria y Alemania en 1883.

Anunciación de los Ufizzi

2008-12-11T23:58:00.000+01:00

de Simone Martini (1284-1344)
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El almuerzo de los remeros

2008-12-10T10:38:00.006+01:00

Al comenzar este cuadro, en verano de 1880, Renoir es consciente de lo ambicioso de su proyecto. Le escribe a Bérard "Estoy en Chatoy [...] Pinto un cuadro de remeros qu eme tentaba desde hacía tiempo. De vez en cuando hay que intentar cosas que estén por encima de las propias fuerzas". En realidad, el albergue Fournaise con su atmósfera de fiesta, su tumulto bullicioso y colorido inspirará a Renoir una de las obras más importantes del movimiento impresionista.

Este lienzo evoca ciertos elementos, aunque adaptados al mundo profano, de uno de los cuadros preferidos del pintor, Las bodas de Caná, del Veronés, ante el cual pedirá que le lleven en el último año de su vida. Aquí, el clima de alegría popular se asemeja al del Baile del Moulin de la Galette, pero en cinco años la facutra ha cambiado. Si bien es cierto que, siguiento su costumbre, Renoir representa a sus amigos y a los clientes habituales de este establecimiento, ahora ya no los funde en la atmósfera con miles de pinceladas centelleantes y reencuentra un cierto respeto por la nitidez de las formas.

de Renoir (1841-1919)

Su composición se ordena siguiendo dos diagonales. Una de ellas agrupa a los hombres en camiseta, arquetipos del remero. La otra va desde el faldón izquierdo del mantel hasta el lado derecho del fondo y crea así un efecto de profundidad. En su intersección destaca la mesa del almuerzo, motivo de esta reunión de múltiples personajes, en tanto que naturaleza muerta.
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Un rayo de sol ilumina a Alin Charigot, por aquel entonces compañera de Renoir y que más tarde se convertiría en esposa y madre de sus tres hijos. Aline es toda frescura y sensualidad con su sombrero adornado de amapolas, cuyo rojo se repite en el toldo que baña la terraza de tonos cálidos. Detrás de ella, el hijo de los Fournaise parece contemplar la animada reunión. Acodada en la barandilla, su hermana Alphonsine escuha con un aire al barón Barbier.

En la parte anterior del cuadro, la naturalidad de Aline contrasta con la sofisticación de la muchaca de la derecha, la elegante actriz Ellen Andrée, que, bajo la mirada atenta del periodista Maggiolo, parece dirigirse a su joven vecino, que dirge su mirada hacia el frente, en lugar de hacia ella. En la parte posterior aparecen, ligeramente borrosos, una mujer llamada Angèle bebiendo, un hombre con sombrero de copa y Lestringuez y Lhote, amigos de Renoir, que bromean con la actriz Jeanne Samary. Rodeados por este marco de verdor, los ditintos grupos se integran dentro de esta atmósfera alegre y distendida que confiere unidad a la escena.

El Bucentauro llegando a Venecia

2008-12-09T15:10:00.000+01:00

de Canaletto (1697-1768)

La Inmaculada de Soult

2008-12-08T01:18:00.002+01:00

El título completo de esta obra es el de la "Inmaculada Concepción de los Venerables", por el asilo sevillano de sacerdotes ancianos para el que fue pintada, o "de Soult", mariscal de Napoleón que se llevó el cuadro a Francia durante la invasión francesa. Estuvo en el Museo del Louvre hasta 1947 en que fue devuelta a España por el general Pétain, junto a otras obras de arte. Se trata de una pintura religiosa, de devoción, muy usual en la España del siglo XVII.

El pintor representa a la Virgen como una joven morena, bella, tierna y dulce, flotando suavemente sobre nubes esponjosas, en un gran rompimiento de gloria. Está vestida con túnica blanca y manto azul, con las manos juntas sobre el pecho en actitud de plegaria y la cabeza suavemente ladeada mirando al cielo. A sus pies hay una media luna. Aparece rodeada de juguetones angelotes (hasta 30, unos de cuerpo entero y otros sólo cabecitas). Es una imagen encantadora, llena de gracia y elegancia.
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El grupo está captado de forma espontánea y libre, en las más variadas actitudes y posturas, llenas de movimiento. En el centro de la composición está la Virgen, de canon estilizado y rodeándola, en movimiento curvo, los angelitos. Murillo los agrupa de forma desigual: abajo, flotan once; a la izquierda hay siete cabecitas arriba y cuatro debajo; a la derecha, tres y cinco. Unos son muy visibles mientras que otros desaparecen en la penumbra, ya que hay varios planos de profundidad. El pintor evita la frontalidad y destaca las lineas ondulantes en los abultados pliegues del manto y las diagonales, con abundantes escorzos. La perspectiva es aérea. Es un estilo dinámico y escenográfico, teatral, pero sin violencia.

____________________de Murillo (1617-1682)
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Murillo crea con la Inmaculada Concepción un nuevo tipo iconográfico que surge ligado a la propaganda de la Contrarreforma. Es la referencia iconográfica de la mujer del Apocalipsis dominando a Satanás (mezcla de serpiente, dragón y águila según San Isidoro), aunque la serpiente no esté en el cuadro. Parece un cuadro realista pero está cargado de símbolos: el vestido blanco y la dulce apariencia casi infantil de la Virgen representan la pureza, la virginidad; el azul del manto nos indica que es la Reina del cielo, lo mismo que la media luna, que también simboliza el triunfo sobre el Islam; la cara con la mirada hacia el cielo, llena de luz, expresa que es puente entre Dios y los hombres. El culto a la Virgen enlaza con el de otras Grandes Diosas Madres de la Antigüedad mediterránea.
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La función de esta imagen contrarreformista es, según Pacheco, "persuadir a los hombres a la piedad y llevarlos a Dios". Pero además esta encantadora y sentimental imagen, desvinculada de la realidad de la Sevilla azotada por la peste, servía a la gente para evadirse de la miseria que la rodeaba.
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Playa de Tarragona

2008-12-07T23:46:00.000+01:00

de Rafael Ramos Morón (1989)
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El encuentro de Dante y Beatriz en el Paraíso

2008-12-06T08:00:00.000+01:00

de Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)
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La procesión saliendo de la abadía de Westminster

2008-12-05T11:04:00.000+01:00

de Canaletto (1697-1768)

Air Show

2008-12-04T08:00:00.001+01:00

de Hiro Yamagata (1948-actualidad)

Magdalena con una llama

2008-12-03T09:53:00.000+01:00

de Georges de la Tour (1593-1652)

Diana cazadora con arco y flecha

2008-12-02T08:00:00.000+01:00

De Stabies

Lectura de José Zorrilla

2008-12-01T00:07:00.000+01:00

Obra emblemática del Romanticismo español e icono por excelencia del panorama intelectual de la Corte Isabelina. Es el mejor testimonio gráfico de la perfecta simbiosis que durante el Romanticismo madrileño mantuvieron las artes y las letras, de la que fue expresión máxima el Liceo Artístico y Literario; sociedad creada en 1837, de importancia capital en el panorama cultural de la España romántica.

El pintor recrea en él una reunión imaginaria de los más importantes escritores de su tiempo, congregados en su propio estudio para escuchar la lectura de una obra de José Zorrilla, narrada por el propio escritor ante la presencia del artista, que abandona momentáneamente su trabajo para escucharle.

de Antonio María Esquivel y Suárez de Urbina (1806-1857)

La estancia es espaciosa, de techos altos, con un gran ventanal por el que penetra la luz natural, que ilumina la sala. Los muros están forrados con lienzos, algunos pintados por el propio Esquivel y otros de su colección, realizados por maestros antiguos de la pintura española: Juicio Final, Colón ante los Reyes Católicos, el Martirio de San Andrés, una Inmaculada.

Noche en Saint-Cloud

2008-11-30T01:11:00.000+01:00

En 1889 Munch celebró su primera exposición individual impulsado, entre otras cosas, por la necesidad de obtener una beca del Estado que le permitiera continuar su formación en París. En octubre de ese año se inscribió en la escuela de arte de Léon Bonnat en la capital francesa, y hacia finales de 1889 se trasladó a la localidad de Saint-Cloud, situada en las afueras de París, donde se instaló con su amigo el poeta danés Emmanuel Goldstein.

de Munch (1863-1944)

Munch asistía a las clases por la mañana en la escuela de Bonnat, pero a medida que pasaba el tiempo, se incrementaban las diferencias entre ambos. Munch se sentía cansado del realismo del maestro, mientras que éste cuestionaba la paleta cromática del pintor noruego. En Noche de Saint-Cloud, el pintor emplea, sobre todo, tonos oscuros en los que predominan el azul y el verde para realzar la vista interior nocturna de un apartamento, iluminado por la luz nocturna que se filtra, como una bruma, desde la ventana. Sin embargo, hay otros puntos de luz que contribuyen a crear contrastes. La lámpara que cuelga del techo ilumina la pared izquierda, parte del asiento y del suelo, pero deja a contraluz al hombre que está sentado. A la vez, desde la ventana se intuye que por el río va pasando un barco que está muy iluminado, pero esas bombillas no llegan a penetrar en la atmósfera del cuadro, sino que realzan los contornos de la ventana. Y es que el centro de la ventana junto con la lámpara, marca la vertical dominante de la composición, mientras que la sombra del marco sobre el suelo determina la diagonal más vigorosa. Este juego de líneas verticales y diagonales organiza el pequeño espacio que ocupa la estrecha habitación para que parezca más amplia. Las dos líneas principales dividen el cuadro en dos áreas geométricas complementarias, y aproximadamente del mismo tamaño: una más iluminada, y la otra, en penumbra.

La composición, una figura masculina, tocada con sombrero de copa, está sentadaa en un sofá, hacia el fondo del cuadrto, con la cabeza apoyada en la mano y observado por la venana. El model fue su amgio Emmanuel Goldstein, aunque podría tratarse del propio Munch que, en medio de ese juego de penumbras y destellos de luz, se convierte en la viva imagen de la tristeza, la soledad y la melancolía en un mundo extraño.

Cabeza de ciervo con astas de nueve puntas

2008-11-29T08:00:00.000+01:00

En Laxcaux (Francia)

La Piedad

2008-11-28T23:12:00.001+01:00

de Ferdinand-Victor-Eugene Delacroix (1798-1863)

Héctor

2008-11-27T20:10:00.003+01:00

de Jacques-Louis David (1748-1825)
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Las hilanderas

2008-11-26T00:07:00.001+01:00

Explicado en una entrada anterior el mito de Europa haremos un breve análisis de esta obra velazqueña a partir de los cuatro planos comenzando por el cuarto, que corresponde al lienzo de Rubens y Tiziano, el tercero que habla de la fábula de Aracné, el segundo, perteneciente a las jóvenes que se encuentran de espectadoras y por último el que es de las mujeres que dan el nombre al cuadro.

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Uno de los recursos más populares del Barroco fue el de incluir un cuadro dentro de otro y que en Las hilanderas Velázquez convirtió un lienzo ya existente (el rapto de Europa de Rubens) en un tapiz. Y, para añadir mayor complejidad, no lo pintó en su totalidad, sino que sólo dejó entrever una parte del mismo. El artista revela la parte más colorista, más iluminada, el lugar sobre el que se acaban posando los ojos del espectador al contemplar la obra. Velázquez copia un cuadro de Rubens, que a su vez, lo había copiado de Tiziano. El pintor sevillano, con este guiño, se situaba a sí mismo como digno sucesor de los dos grandes maestros que fueron, como él, pintores favoritos de la casa de Austria. El mensaje era complejo y poquísimos espectadores de su época podían entenderlo: sólo aquellos que tuvieran acceso a la pinacoteca de Felipe IV habían visto el rapto de Europa en sus dos versiones.

En el tercer plano se nos cuenta la fábula de Aracné. Según las Metamorfosis de Ovidio, como no, Aracné era una joven de Lidia, muy orgullosa y con un gran talento para tejer: estaba dispuesta a retarse en su arte con la mismísima Minerva, diosa de la sabiduría y patrona de los tejedores. Un día, una anciana le aconsejó que fuera más modesta y Aracné montó en cólera. La vieja resultó ser Minerva disfrazada, hecho que se alude en el primer plano con la mujer de la izquierda, (su pierna al aire no se corresponde a la edad), que tras desenmascararse aceptó el reto. Para el concurso, Aracné tuvo la osadía te dejer tapices en que se veían los engaños y deshonras de los dioses, entre ellos el rapto de Europa. Minerva quedó indignada y destrozó sus tapices y la convirtió en una araña condenandola a tejer de por vida.

de Velázquez (1559-1660)

Las tres damas, una de las cuales mira con complicidad al espectador, son quizá los personajes cuya identidad suscita mayor controversia. Algunos autores ven en ellas al jurado que debía discernir quién era mejor tejedora, otros creen que Velázquez, en Las Hilanderas, introdujo de manera críptica un tema muy popular en la literatura del siglo XVII: los pecados de los príncipes, un tema muy propio para un cuadro que, precisamente, no estaba ejecutado para Felipe IV. En este sentido, las tres damas representarían el pecado carnal y se corresponderían con Leucosa, Parténope y Ligia, las sirenas que embaucan a los hombres. De hecho, una de ellas sostiene una viola, un instrumento musical que aturde con sus melodías. La fábula de Aracné se serviría, por su parte, para ilustrar el pecado de la soberbia.

Y por último, en el primer plano, aparece el engaño. Las hilanderas no tendrían que estar aquí, en el siglo XVII la hilatura y el tejido no se realizaban en el mismo taller. Velázquez fuerza la situación y yuxtapone el arte (tapices) y la artsanía (el tejido). Las hilanderas son las figuras de mayor tamaño, pero están preparadas para que el ojo del espectador salte sobre ellas y se pose en lo importante, el fondo. En la estancia del fondo, Vel´zquez alude a Tiziano, tanto al utilizar El rapto de Europa como al ejecutar la escena con tanto colorido. El veneciano fue el maestro del color, mientras que su coetáneo rival, Miguel Ángel, lo fue del disegno. Velázquez utiliza a las hilanderas para homenajear a éste último: la pose de la anciana de la rueca y la de la muchacha de espaldas se inspiran en dos desnudos de la Capilla Sixtina.

El sevillano se revela capaz de dominar las dos grandes técnicas de la pintura. Y no sólo eso, al captar el giro de los radios de la rueca alude a una teoría que dejó escrita el romano Plinio el Viejo en su Historia Natural: "la perfección de un artista se demuestra al saber transmitir la ilusión de movimiento en las ruedas de un carro".

Seguimiento en la red

2008-11-25T19:02:00.000+01:00

Blogger ha creado un nuevo gadget por el que todo navegante que lo desee pueda formar parte de este blog inscribiéndose en el apartado "Seguir este blog" que aparece arriba del todo en la parte izquierda del blog.

Los administradores de este espacio lo aprovecharemos para así conocer mejor quienes son aquellos usuarios que nos visitan con frecuencia.

Atentamente

Xari y Rafa

Leyendo bajo la lámpara

2008-11-25T18:49:00.002+01:00

de Willi Baumeister (1889-1955)

Tesoro de Guarrazar

2008-11-24T23:14:00.006+01:00

Su descubrimiento causó un tremendo impacto en los medios culturales de la Europa del siglo XIX. Fue un hallazgo accidental en el año 1858. Aparecieron formando dos depósitos de hormigón enterrados a escasa profundidad en el interior de lo que debió ser un pequeño templo u oratorio. El lugar es Huerta de Guarrazar, en la localidad de Guadamur, a escasos once kilómetros de Toledo.
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En un principio se hallaron catorce coronas y diferentes cruces. Por desgracia las coronas fueron fundidas y se han perdido para siempre; sin embargo, nuevas remociones del terreno permitieron el hallazgo de otras ocho coronas más y seis cruces colgantes. A través del comercio las piezas terminaron por pasar al Museo Cluny, penas un año después de su asombroso hallazgo.
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La Real Academia de la Historia tomó cartas en el asunto encargando una excavación del lugar a José Amador de los Ríos. Fruto de esta actuación fueron nuevos descubrimientos, entre ellos otras cuatro coronas más. De éstas, tres pasaron a la Armería del Palacio Real de Madrid, y curiosamente también la cuarta al Museo Cluny. Dos de las de palacio desaparecieron en un extraño robo el año 1921.

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El conjunto del tesoro es fruto de un largo período de acumulación. Al menos hay dos fechas de referencia perfectamente atestiguadas, los años 621 y 672. Una de las coronas desaparecidas correspondía a una ofrenda del monarca Suintila y otra, la más emblemática, corresponde a un regalo de Recesvinto. Aunque el conocimiento de la orfebrería hispana de esta época no nos permite precisiones, es muy probable que algunas piezas pudieran superar este marco cronológico por sus dos extremos.

Como la corona de Suintila, veintidós letras colgantes disponen el siguiente letrero:

RECCESVINTHUS REX OFFERET

La letra R de esta corona se conserva en el Museo Cluny. Del centro de la corona pende una cruz muy interesante. Formada por cuatro cápsulas metálicas soldadas en el brazo largo, mientras que una a cada lado constituyen los brazos transversales, todas estas cápsulas contienen en el anverso una piedra. Cada extremo de la cruz está enmarcado por una pareja de perlas también encapsuladas. La presencia de una aguja en el reverso demuestra que se trataba de un broche reaprovechado.
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Obra del mismo taller que la corona, y seguramente, dada su calidad, también podía ser un regalo de Recesvinto, son dos brazos de una cruz. Seguramente estos brazos constituían parte del anverso de una cruz con alma de madera y un reverso también enchapado pero más sencillo; es posible que, como en las cruces asturianas, tuviese el letrero de la ofrenda. Como tantas cruces altomedievales, debió tener correspondiente sepulcro con reliquias.
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Como tantas cruces altomedievales, debió tener el correspondiente sepulcro de reliquias. Las grandes iglesias visigodas contaban con una pieza excepcional, un lignum crucis, custodiado en la sacristía destinada al tesoro.
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Se ha interpretado el ocultamiento de este tesoro atribuyéndoselo a las circunstancias ocasionadas por la invasión musulmana. Es muy posible que fuera así; sin embargo, no existe unanimidad para identificar el origen de las obras escondidas. Se ha llegado a decir que representaban el tesoro de la iglesia toledana. Si así fuera, tan sólo se trataría de una mínima muestra. Por los datos que suministran las piezas, sólo tenemos referenciado un santuario: Santa María de Sorbaces.
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Según la importancia de la iglesia, las coronas que se colgaban ante el santuario principal podían variar considerablemente en su número, pues más que un adorno concreto respondían al protagonismo que quería manifestar cada uno de los posibles donantes. Así las coronas se ofrecían a la divinidad en sentido genérico o concreto, además de las que se ofrendaban al patrono del templo. Como es bien sabido, los templos también tenían altares secundarios, razón por la cual un santuario erigido en honor a Santa María también podía tener un altar dedicado a San Esteban.

Venus y las gracias dando un regalo a una joven

2008-11-23T18:46:00.002+01:00

de Botticelli (1445-1514)

Santa Cecilia

2008-11-22T21:05:00.002+01:00

de Bernardo Strozzi (1581-1644)

Sarcófago de Junio Baso

2008-11-21T10:40:00.001+01:00

Este sarcófago sirvió de enterramiento a Junio Baso, un rico patricio romano que fue pretor durante los años que siguieron a la conversión de Constantino. El sarcófago representa el punto culminante del arte funerario paleocristiano, las figuras son hechas por un artista romano para la creciente comunidad cristiana; en las figuras ya no se aprecia el detallismo ni la individualización de los rostros propios del Bajo Imperio. Formalmente el sarcófago se divide en dos bandas y con una separación de columnas y arcos o dinteles.

En los diferentes espacios se representan escenas como el Sacrificio de Abraham, donde el ángel que detiene al patriarca es un joven romano togado, San Pedro entre dos soldados con las manos recogidas, un Jesús imberbe, sentado en la Gloria sobre nubes, tiene debajo la figura de Caelus, representación pagana del cielo que encontramos en los sarcófagos, también aparece Adán y Eva cada uno al lado del árbol de la ciencia de forma simétrica, la entrada en Jerusalén o la traditio legis son también representados en este sarcófago.
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Le ballet espagnol

2008-11-20T22:49:00.000+01:00

de Edouard Manet (1832-1883)

Guerrero gálata

2008-11-19T08:46:00.001+01:00

Tras la victoria de Átalo I frente al los gálatas, mandó realizar un monumento público para conmemorar su hazaña. El monumento se compone de un grupo en una composición triangular o piramidal. El grupo estana formado por el jefe de los gálatas, que está de pie sujetando a su mujer, que está a un nivel un poco más bajo, y a su alrededor hay cuatro figuras malheridas tumbadas.
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Apoteosis de Homero

2008-11-18T23:08:00.001+01:00

de Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867)

¡Oídme todos, dioses y diosas, para que os manifieste lo que en el pecho mi corazón me dicta! Ninguno de vosotros, sea varón o hembra, se atreva a transgredir mi mandato, antes bien, asentid todos, a fin de que cuanto antes lleve al cabo lo que me propongo. El dios que intente separarse de los demás y socorrer a los teucros o a los dánaos, como yo le vea, volverá afrentosamente golpeado al Olimpo; o cogiéndole, lo arrojaré al tenebroso Tártaro, muy lejos en lo más profundo del báratro debajo de la tierra —sus puertas son de hierro y el umbral, de bronce, y su profundidad desde el Hades como del cielo a la tierra— y conocerá en seguida cuánto aventaja mi poder al de las demás deidades. Y si queréis, haced esta prueba, oh dioses, para que os convenzáis. Suspended del cielo áurea cadena, asíos todos, dioses y diosas, de la misma, y no os será posible arrastrar del cielo a la tierra a Zeus, árbitro supremo, por mucho que os fatiguéis, mas si yo me resolviese a tirar de aquella os levantaría con la tierra y el mar, ataría un cabo de la cadena en la cumbre del Olimpo, y todo quedaría en el aire. Tan superior soy a los dioses y a los hombres. (Ilíada, Canto VIII)

Puerta de los leones

2008-11-17T08:22:00.000+01:00

La Puerta de los Leones es la ejecución arquitectónica más característica y conocida de Micenas y fue construida alrededor de 1250 a. C. Representa a dos leones rampantes de unos 3 metros de altura. En esa época, Micenas era una ciudad próspera cuyo poder político, militar y económico se extendía hasta Creta, Pilos (en el oeste del Peloponeso), Atenas y Tebas.

Botella y vaso sobre una mesa

2008-11-16T21:57:00.000+01:00

de Juan Gris (1887-1927)

Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887. Desarrolló su actividad principalmente en París, siendo considerado como uno de los maestros del cubismo.
En 1906 se trasladó a París, donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, allí comenzó un periodo en el que desarrolló la técnica del "collage" (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Un ejemplo típico de su técnica de "collage" es Vasos y periódico.
Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

El festín de Belsasar

2008-11-15T21:08:00.009+01:00

En el libro de Daniel se hace el siguiente relato "El rey Belsasar (Baltasar en castellano) hizo un gran banquete a mil de sus príncipes, y en presencia de los mil bebía vino. [...] Entonces fueron traídos los vasos de oro que habían traído del templo de la casa de Dios, que estaba en Jerusalén, y bebieron con ellos el rey y sus príncipes, sus mujeres y sus concubinas. Bebieron vino, y alabaron a los dioses de oro y de plata, de metal, de hierro, de madera y de piedra. En aquella misma hora salieron unos dedos de mano de hombre, y escribían delante del candelero sobre lo encalado de la pared del palacio real, y el rey veía la palma de la mano que escribía. Entonces el rey Belsasar fue muy turbado, y se le mudaron sus colores y alteráronse sus príncipes".

Los máximos sabios y astrólogos asirios, caldeos y babilonios, convados por Baltasar; no lograron descifrar la inscripción dejada por la mano sobre la pared. Entonces, trajeron al judío Daniel, cautivo en Babilonia junto con todo su pueblo, y lee el texo que dice "Mené, mené, tekel, upharsín" y lo traduce al hebreo: "Contó Dios tu reino, y lo ha rematado. Pesado has sido en balanza, y fuiste hallado en falta. Tu reino ya ha sido destruido y será dado a los medos y los persas".

Éste es el tema bíblico que Rembrandt aborda. Suman más de una treintena los cuadros que pintó con temas del Antiguo Testamento. Son varias las razones para ello. Entre otras, cabe destacar la importancia de la población judía en Amsterdam, que a mediados del siglo XVII superaba las 100.000 personas. En la ciudad vivían numerossos descendientes de las juderías de España y Portugal, de donde habían sido expulsados. En Amsterdam, los hebreos formaban parte del paisaje cotidiano, tenían sus propios tribunales y podían celebrar su propio culto, sin el acoso antisemita que predominaba en la mayoría de los países europeos.

de Remberandt (1606-1669)

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Dedicados mayoritariamente al comercio, los judíos gozaban de un alto nivel económico y muchos coleccionaban obras de arte. Sin ir más lejos, uno de los grandes amigos personales de Rembrandt fue el rabino Menashe ben Israel, un destacado comerciante. Pero hay otras razones que explican la recurrencia de Rembrandt a la Biblia.

En el cuadro, la luz emana de la escritura que Rembrandt reproduce con letras hebreas dibujadas a la perfección. En la reproducción del texto, el pintor incluso respeta lo establecido por la leyenda: las palabras están escritas en sentido vertical, a los efectos de que su lectura se vuelva aún más indescifrable para los sabios babilonios consultados.

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Como un segundo foco situado arriba a la derecha, el texto deslumbra al espectador hasta el punto de impedirle reconocer la pared y el espacio reproducido en el lienzo. De este modo, la escena se ve privada de referentes estabilizadores. Está dominada por el personaje de Baltasar, que se levanta de pronto y alza el brazo izquierdo para progerse de la luz, al tiempo que procura apoyar el cuerpo en la mano derecha. Un detalle demuestra que no consigue estabilizarse: su mano no se apoya en la superficie de la mesa, sino en la tapa de una bandeja, lo que refuerza la sensación de inestabilidad. Al movimiento del cuerpo hay que añadir el giro de la cabeza: si, como el espectador imagina, hasta unos segundos antes se dirigía a los comenasles, ahora se vuelve hacia atrás, con los ojos desorbitados, en dirección al texto.
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El impacto de la escritura desata el dinamismo del cuadro: hacia la derecha, el impacto se vuelve físico, ya que la mujer parece caer de la silla, al tiempo que se vuelca el contenido de su vaso. Mientras los otros personajes se muestran de perfil o de lado, ella es vista desde lo alto: la mirada del espectador se desliza por la nuca y el cuello hasta el escote. De este modo, mediante un escorzo magistran, Rembrandt logra un gran efecto de violencia, utilizando el juego de luces y sombras, de ccuerdo a las tradiciones del tenebrismo italiano.

Homenaje a la humilde raíz

2008-11-14T10:00:00.002+01:00

de Julio Gómez Biedma (1940-actualidad)

Cristo en la Cruz

2008-11-13T10:00:00.000+01:00

de Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682)

Pintor español nacido en Sevilla, cultivador de una temática preferentemente religiosa. A partir de sus primeras obras, representaciones de la Virgen María o la Sagrada Familia, evolucionó hacia un tratamiento de los temas en un tono más humano y sencillo, dentro de interiores cotidianos, en los que introduce pequeños detalles y escenas de la vida doméstica. Ejecutó lienzos de altar para conventos e iglesias de diversas órdenes monásticas en Sevilla. Sus personajes se caracterizan por una gran dulzura, acentuada por una pincelada suave y fácil y una luz dorada que los envuelve. Como pintor de escenas de género, plasmó con gran maestría y emotividad el mundo de la novela picaresca de la época.

Paisaje con carruaje y tren

2008-11-12T14:46:00.000+01:00

de Vincent Van Gogh (1835-1890)

El Bibliotecario

2008-11-11T15:27:00.001+01:00

de Giuseppe Arcimboldo (1517-1593)

Palacio del Buen Retiro

2008-11-10T09:02:00.000+01:00

de Jusepe Leonardo (1601-1652)

El Palacio del Buen Retiro fue un conjunto arquitectónico de grandes dimensiones diseñado por el arquitecto Alonso Carbonell y construido por orden de Felipe IV como segunda residencia y lugar de recreo (de ahí su nombre). Se edificó en lo que entonces era el límite oriental de la ciudad de Madrid. Hoy en día lo conocemos por los escasos vestigios que quedan de él y por los jardines del mismo, que hoy conforman el Parque del Retiro.

Ondine

2008-11-09T10:00:00.001+01:00

de Eugène Henri Paul Gauguin (1848-1903)

Cuando Gauguin realizó este cuadro hacía cuatro años que había abandonado a su familia y una vida acomodada para dedicarse enteramente a la pintura.
Mientras los impresionistas quisieron salir a pintar al aire libre, Gauguin tomó la determinación de abandonar la sociedad que lo asfixiaba y no lo reconocía como artista, y se lanzó a buscar un lugar salvaje primigenio. Así, pasó temporadas en Tahití o La Martinica, entre otros lugares.
Su estilo impresionista al principio, había evolucionado tras la estancia en Bretaña en los 80 con teóricos como Emile Bernard, Paul Sérusier y Maurice Denis que le convirtió en la figura principal de un movimiento que se orientaba hacia lo simbólico y sintético (no realista). Por otro lado, su estancia en Arles junto a Van Gogh en 1888, potenció su valoración del color.
Existen numerosas versiones de este cuadro: un estudio al pastel, un abanico, un dibujo preparatorio y la figura aparece también en una litografía.

Templo de Mercurio en Mulva

2008-11-08T10:00:00.000+01:00

Las primeras noticias del Castillo de Mulva datan de 1756 cuando dos investigadores de la Academia de Buenas Letras de Sevilla visitaron las ruinas. Ya estos eruditos las identificaron correctamente como un Santuario aunque la tradición popular le sigue llamando "Castillo". Con posterioridad cayeron en el olvido. Desde 1957 vienen siendo estudiadas por el Instituto Arqueológico Alemán de Madrid.

A diferencia de otros núcleos de poblamiento de Baetica, Munigua sólo cuenta con dos periodos de ocupación; uno prerromano y otro romano. Desde el s. IV a C. Hasta la éspoca de Augusto abarca el período correspondiente al primer momento de habitación. Los vestigios que más destacan, de esta época, son las acumulaciones de escorias de hierro, que se localizan por todo el yacimiento, ya que la actividad principal era la fundición d este material.

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En tiempos romanos la población se vincula al nuevo poder mediante un contrato de patronazgo. Se trata de una placa de bronce, tessera de hospitalidad, que los muniguenses realizan con Augusto a través de cuestor Sexto Curvio Silvino. Gracias a este documento y por medio de toponímico que en él se menciona, conocemos el nombre de la ciudad.

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El urbanismo que se diseña y se conserva para esta ciudad comienza a realizarse en época de Augusto prolongándose hasta finales del s. I y principios del s. II. La mayoría de los edificios civiles y religiosos, entre los cuales se encuentra el Santuario, corresponden al último tercio del s. I. Este auge constructivo puede ser atribuido al cambio de estatus jurídico que el Municipio sufre. El emperador Vespasiano (69-79) les concede el derecho latino y eleva la ciudad a la condición de Municipio con todo lo que ello representa desde el punto de vista administrativo. La ciudad pasó a llamarse Municipio Flavio Muniguense.

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El periodo más floreciente corresponde al s. II. La ciudad comenzó a languidecer a partir del s. IV en el cual las casas se reparan y se reducen de tamaño, siendo este proceso más evidente en el s. V y VI. En éstos años el núcleo de población desaparece de la zona, abandonándose la ciudad.

http://villanuevadelasminas.galeon.com/munigua/Mulva.htm

Templo de la Fortuna Viril

2008-11-07T21:53:00.003+01:00

Edificado a finales de la República, es el templo mejor conservado que nos ha llegado a nuestros días gracias a que fue convertido en la iglesia de Santa Maria Egiziaca, prostituta que vivió en el siglo V que se reformó y se convirtió en eremita. Se mantuvo como iglesia desde el siglo V hasta bien entrado el siglo XX.Erigido entre los años 70 a.C. y 40 a.C., se alza en el Foro Boario, cerca del Tíber.

Es de orden jónico y hexástilo, es decir tiene seis columnas en el pórtico. Llamado posteriormente Templo de Fortuna Viril, estaba dedicado a Portunus, dios romano de los puertos y bahías portuarias, originariamente dios de las puertas (portæ), las llaves y animales domésticos. Asentado sobre un podio encima del cual se levantan las columnas, el templo de Portunus, de pequeño tamaño, mantiene unas proporciones helenas. Se diferencia del estilo griego porque las columnas que lo rodean están adosadas al muro de la cella. Se accede al templo a través de una escalinata frontal donde las columnas forman un pórtico abierto. El frontón y el entablamento son lisos, pero las volutas no son planas sino que sobresalen en diagonal.
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La conjura de los bátavos

2008-11-06T10:00:00.002+01:00

Tácito, en su obra De origine et situ Germanorum, cita a los Batavios como las más bravas tribus de la zona, endurecidos en las guerras, que tenían sus propias cohortes con sus jefes que combatieron en Britania. Afirma que mantenían relaciones amistosas con Roma, como aliados, sin necesidad de pagar tributos o tasa alguna. «Suministraron al Imperio nada más que armas y hombres», remarcó Tácito. Estaban bien preparados, por su destreza con los caballos y su increíble capacidad para cruzar los ríos con sus fuerzas sin perder la formación y sin necesidad de usar puentes. Dión Casio describe esta sorprendente táctica empleada por Aulus Plautius contra los bárbaros en la batalla del Medway.

de Rembrandt (1606-1669)

A pesar de la alianza con Roma, los Batavios se sublevaron en la Germania Inferior entre el 69 y el 70, liderados por Cayo Julio Civil, dando cuenta de cuatro legiones en una humillante derrota del ejército romano. Después, un gran ejército al mando de Quinto Petilio Cerial derrotó a los Batavios. El origen se remonta a Galba, quien disolvió con deshonor los Corporis Custodes, guardia personal de lo emperadores romanos compuesta por Batavios y ordenó la detención de sus dos príncipes: Cayo Julio Civil y su hermano Claudio Paulo. Se desconocen las razones de Galba, pero parecen estar fundadas en la lealtad mostrada por los Batavios a Nerón en Germania. Cayo regresó a Batavia, pero su hermano fue ejecutado en el 68.

Los novios

2008-11-05T19:20:00.001+01:00

de Antonio López García (1936-actualidad)

Flowers Above Saint-Jeannet

2008-11-04T21:21:00.002+01:00

de Marc Chagall (1887-1985)

Máscara de Agamenón

2008-11-03T08:05:00.002+01:00

La llamada máscara de Agamenón fue encontrada en una tumba micénica por Heinrich Schliemann en 1876. Aunque éste creía haber descubierto las tumbas de los héroes de la guerra de Troya, los enterramientos y la máscara pertenecen realmente a una fase anterior de la cultura micénica que, junto con la cultura minoica, forma parte de la civilización del Egeo.

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Esta máscara funeraria está realizada en una fina lámina de oro mediante repujado, caracterizada por un naturalismo simplificado. El rostro del difunto presenta una barba a penas detallada y los ojos estan cerrados representando el sueño de la muerte.

Las seis máscaras de oro que aparecen en el Circulo A y la de electrón del Círculo B, están realizadas en una fina lámina de metal que se adapta a una cara de madera esculpida para conseguir su forma. Estas máscaras forman un conjunto único y aislado, no solamente porque no se encuentran otros objetos parecidos, sino porque su difusión, espacial y cronológica es muy limitada y expresan una estética especial.

Carlos II

2008-11-01T08:01:00.000+01:00

de Juan Carreño de Miranda (1614-1685)
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San Isidoro de Sevilla

2008-10-31T00:10:00.000+01:00

San Isidoro en la Biblioteca Nacional de Madrid

de José Alcoverro i Amorós (1835-1908)

Castillo de Alnwick en Northumberland

2008-10-30T18:37:00.002+01:00

de Giovanni Antonio Canal (1697 – 1768)

Vista de Cartago con Dido y Eneas

2008-10-29T01:02:00.002+01:00

de Claudio de Lorena (1602-1682)

Rapelle-toi Barbara

2008-10-28T14:08:00.001+01:00

de Ouka Lele (1976 - actualidad)

Crucifjo con escenas de la pasión

2008-10-27T20:22:00.001+01:00

del Maestro de San Francisco Bardi (1240-1270)
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La Dama de Elche

2008-10-26T13:01:00.004+01:00

La Dama de Elche representa a una mujer ricamente vestida con una doble túnica sobre la que lleva un manto que le cubre la cabeza y los brazos y que presenta pliegues en zig-zag en sus bordes asimétricos. Luce tres hileras de collares abigarrados, uno con lengüetas, el del centro es de anforillas (según los expertos para contener perfumes). En la cabeza lleva un tocado muy complicado, compuesto por un velo sujeto sobre una peineta adornado con diademas, posiblemente de oro, y por dos enormes discos o rodetes a los lados del rostro, junto a los que cuelgan dos aparatosas arracadas formadas también por multitud de anforillas.

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El rostro presenta una gran serenidad y belleza muy sencilla, con los ojos algo oblicuos, una nariz recta, pómulos ligeramente marcados y una boca de labios bien diseñados, con restos de policromía. Tiene un ligero aire melancólico.

La función de la escultura es probable que sea funeraria: posiblemente era una urna cineraria ya que en la espalda tiene un hueco para meter las cenizas del muerto (igual que la Dama de Baza). No sabemos quién es esta dama: podría ser una sacerdotisa o bien una señora de la aristocracia difunta o más probablemente una diosa-madre que acompaña al fallecido al otro mundo.

Lovers with Daisies

2008-10-25T01:00:00.001+02:00

de Marc Chagall (1887-1985)

Esperando la pesca (playa de Valencia)

2008-10-24T13:45:00.000+02:00

de Sorolla (1863-1923)

Muchacha visitando un templo shintoísta en una noche de lluvia

2008-10-23T10:00:00.001+02:00

de Suzuki Harunobu (1725-1770)

Teatro Real de Madrid

2008-10-22T09:37:00.000+02:00

de López Aguado (1764-1831)

El Teatro Real de Madrid fue proyectado por López Aguado en 1818 pero su construcción se dilató en el tiempo debido a los problemas económicos de la Casa Real, falleciendo durante este tiempo Lópéz Aguado y designándose a Custodio Moreno nuevo director de las obras. Moreno siguió los proyectos de López y en 1850 recibió estrictas órdenes de realizar la obra en cinco meses. El edificio presenta planta hexagonal y dos fachadas, una que da a la plaza de Oriente coronada con un frontón triangular- y otra a la de Isabel II. Tiene tres plantas en las que apreciamos la admiración por el neoclasicismo expresada por López Aguado en esta obra.

Retablo de San Juan Bautista y Santa Catalina

2008-10-21T10:00:00.001+02:00

de Juan de Sevilla (1643-1695)

La joven liebre

2008-10-20T10:39:00.000+02:00

de Alberto Durero (1471-1528)

Composición VI

2008-10-19T00:39:00.001+02:00

En esta obra, Kandinsky logró disolver las formas en una representación puramente pictórica, abstracta, donde los colores se independizan de los objetos. Según explicó en Mirada retrospectiva, la tela consta de tres centros.

El primero, a la izquierda, es "difuso, rosado, delicado, con líneas débiles e inseguras en el centro". De él parte en diagonal un haz de colores que representan la lluvia torrencial y conduce al segundo, a la derecha. Éste es "tosco, azul y rojo, ligeramente disonante con líneas precisas, marcadas, casi malvadas". En la parte inferior se sitúa el tercero, donde "se diluyen el blanco, el rosa y el azul en medio de una especie de neblina. [...] Este lugar determina el tono interior de todo el cuadro"

de Kandinsky (1866-1944)

A pesar de que Kandinsky se inspiró en El Diluvio, una pintura sobre cristal del año anterior, aseguró que sería un error considerar esta obra como la representación de un acontecimiento. Entre la confusión apocalíptica, es posible identificar la barca de remos en el ángulo inferior izquierdo, dos figuras yacentes en el extremo opuesto, y, sobre ellas y compartiendo la forma, el perfil de un barco de vela, entre otros elementos.

La Grenouillère

2008-10-18T08:00:00.002+02:00

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX; irá en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino, y su objetivo era conseguir una representación del mundo más espontánea y directa, recurriendo a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica.

- de Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

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Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, siempre con personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por sus formas gruesas.

Dédalo e Ícaro

2008-10-17T09:08:00.003+02:00

De Frederick Leighton (1830-1896)

Arearea

2008-10-16T08:00:00.000+02:00

de Eugène Henri Paul Gauguin (1848-1903)

Mausoleo de Teodorico

2008-10-15T03:11:00.000+02:00

Este mausoleo fue levantado bajo el mandato del rey Teodorico el Grande entorno al 520 d.C., queriendo asegurarse el poder contemplar el lugar donde descansarían sus huesos una vez muriera. Todo él está construido con grandes sillares de mármol blanco de Istria y tiene una planta decagonal. El edificio consta de dos pisos, el inferior posee nichos bajo cada arco, y en su interior alberga una planta cruciforme. En su exterior, referidos aún a éste piso, encontramos una única entrada, y rodeando el edificio, una serie de arquerías cegadas, meramente como motivo ornamental, ya que se utilizaban para crear efectos claroscuristas en la sobriedad de los sillares de piedra blanca (en este caso). En la segunda planta se encuentra un pequeño pasillo circular que bordea el edificio, y una única puerta de acceso a éste. Por lógica es en este piso donde debiera haberse enterrado los restos de Teodorico, para proteger sus restos de los saqueadores de tumbas,pero no fue así,y sus restos descansaron en la primera planta,sin complicar el acceso a quienes quisieran penetrar sus muros. (Obviamente no tardó en ser saqueado)

El segundo piso está coronado por un gran monolito de mármol, y es este el que otorga la mayor fama al edificio, cubriendo la estancia superior a modo de tapadera. Tiene un diámetro de casi 11 metros, pudiendo pesar esta parte únicamente unas 300 toneladas. Ésta falsa cúpula está redondeada de 12 asas rectangulares que sirvieron para sostener 12 estatuas de los apóstoles (se sabe esto porque aparece inscrito cada nombre en cada una de ellas). El friso que se encuentra más abajo, y rodea también el edificio tiene unas formas geométricas, como son las fíbulas, muy utilizadas en la decoración de ésta época.

Bodegón con Cebollas

2008-10-14T08:00:00.001+02:00

Paul Cezanne nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence,sur de Francia. Paul Cezanne era hijo de un banquero acaudalado, Paúl Cezanne conoció en su infancia a Émile Zola. A finales de los años cincuenta Paul Cezanne decide dedicarse a la pintura, aunque comienza estudios de derecho para complacer a su padre. En 1862 Paúl Cezanne inicia sus estudios de arte en París. Cezanne asiste a la Académie Suisse para ejercitarse en el dibujo. Allí conoce a Guillaumin. Las primeras obras Paul Cezanne las realizó con pigmentos espesos y en tonos oscuros .Paul Cezanne desarrolló un estilo pictórico duro, denso, espeso, de fuertes pinceladas, que toma como modelo al italiano Caravaggio y al español Diego Velázquez.

de Paul Cezanne (1839-1906)

La influencia más significativa en sus comienzos fue la de C. Pissarro, que le introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Bajo la tutela de Pissarro, en el periodo comprendido entre 1872 y 1873 Paul Cezanne, pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. Los impresionistas le aceptaron dentro del grupo y Paul Cezanne expuso con ellos en 1874 y 1877. La gran aportación a la pintura de Paul Cezanne se realizó tras la disolución del grupo impresionista, cuando deriva hacia una pintura más intelectualizada. Durante la década de 1880 pasó gran parte tiempo en su Aix-en-Provence natal. En 1886 Paul Cezanne creyó ver referencias a sus fracasos en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y consiguió la independencia económica, aunque permaneció en su aislamiento social.

Paul Cezanne siguió pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, y fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura. Paúl Cezanne se lamentaba de su fracaso en la representación de la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años, como Bañistas (c. 1899-c. 1906, Museo de Arte, Filadelfia), revelan unas distorsiones curiosas. En el año 1895 Ambroise Vollard, marchante parisino, organizó una exposición de las obras de Paul Cezanne y las promocionó con gran éxito durante los años siguientes. Hacia 1904 Paul Cezanne, alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura. Muchos pintores jóvenes viajaron hacia Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo en sus últimos años antes de su muerte. Paul Cezanne fallecía el 22 de octubre de 1906 en Aix-en-provence, pero ya había logrado un prestigio considerable.

Gálata suicidandose

2008-10-13T08:20:00.000+02:00

de Epígonas (s III a.C.-Escuela de Pérgamo)

El descubrimiento de América por Colón

2008-10-12T12:10:00.000+02:00

(de Dalí 1904-1989)
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Calle Vieja

2008-10-11T20:56:00.005+02:00

de José Antonio Aguado (1954 - actualidad)

La Catedral de Salisbury

2008-10-10T09:34:00.002+02:00

de John Constable (1776-1837)

Virgen con Niño

2008-10-09T23:14:00.001+02:00

Anónimo del Siglo XIII

Capilla de los Scrovegni

2008-10-08T01:14:00.002+02:00

Este conjuntos de frescos son considerados como la obra maestra de Giotto. Fueron encargados por Enrico Scrovegni, un poderoso terrateniente florentino, con el objetivo de decorar la capilla particular de la familia en Padua. Este hecho representaba un paso adelante en el mecenazgo del arte, que ya no dependería exclusivamente de la Iglesia ni de las instituciones para su subsistencia.

de Giotto de Bondone (1267-1337)

La pintura se estaba convirtiendo en un artículo de lujo que comenzaba a tener una demanda notable por parte de la burguesía, la cual quería hacer ostentación de su poder económico. Los palacios, las capillas, etc., se convertirían en nuevos ámbitos para la labor de los artistas, que ya no se vieron limitados a los edificios de carácter religioso. Se generó una modificación sustancial en los temas representados, tal y como pasó con la escuela flamenca, los nuevos motivos respondían a los centros de interés de la burguesía (su forma de vivir, el ámbito familiar, las gestas heroicas, etc.).

La función de los frescos de la colección de la capilla Scrovegni es claramente decorativa, pese a estar inspirados en motivos religiosos. Cuando Enrico Scrovegni encargó la construcción de la capilla lo hizo, siguiendo la costumbre de la época, como expiación por las acciones de su padre, un famoso usurero.

Interior metafísico con taller

2008-10-07T10:00:00.001+02:00

de Giorgio de Chirico (1888-1978)

Chirico fue un pintor italiano de origen griego creador la escuela de pintura metafísica. Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una gran influencia de las obras alegóricas del pintor suizo del siglo XIX Arnold Böcklin. En Turín, Florencia y París, donde se instaló en 1911, pintó sus primeras obras metafísicas, las cuales evocan un mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y sombras y de una perspectiva exagerada.

Mientras hacía el servicio militar en Ferrara en 1915, de Chirico conoció al pintor futurista Carlo Carrà y juntos fundaron la revista Pintura Metafisica en 1920. Entre 1915 y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica que luego adoptarían los surrealistas; de hecho, entre 1924 y 1930 proporcionó un gran impulso al movimiento surrealista e influyó en artistas del movimiento de la talla de Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de 1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió en un retratista de éxito.

Mosaico de Neptuno y Anfítrite

2008-10-06T01:07:00.000+02:00

Mosaico del templo dedicado a las ninfas de Herculano
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La reliquia

2008-10-05T02:08:00.000+02:00

(de Joaquín Sorolla 1863-1923)

Arlequín y payaso con careta

2008-10-04T19:56:00.004+02:00

Rafael Zabaleta nació en Quesada, Jaén, y en 1924 inició sus estudios artísticos en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. En 1934 viajó a París y conoció las obras de los principales pintores de vanguardia. Realizó su primera exposición en la galería Biosca de Madrid en 1942, por la que recibió una crítica favorable de Eugenio D’Ors, que llegó a calificarlo como el pintor más importante de su época.

de Rafael Zabaleta (1907-1960)

Un extraño surrealismo ‘provinciano’ puebla sus primeras obras, que va depurando a medida que crece el interés por representar su pueblo natal, Quesada, con fuerte cromatismo y aire geometrizante que le acercan al fauvismo y también al aire ingenuo del arte naïf. Sus obras de madurez poseen un lirismo rústico y profundo que permite hablar de una pintura humanista, dotada de un optimismo multicolor, con mujeres de formas rotundas y carnales y un color jubiloso que refleja el gozo con el que están pintadas. En el realismo expresionista de su obra se unen la visión formal del cubismo, la violencia cromática del fauvismo y la deformación del expresionismo.

http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~23005943/personajes.html

Monasterio de Sant Pere de Rodes

2008-10-03T00:05:00.001+02:00

San Pere de Rodes representa lo que conocemos como estilo románico catalán, el cual, pese a recibir influencias de la escultura decorativa visigoda, de la monumentalidad carolingia y del arte mozárabe, se erigió como un estilo propio, bien diferenciado del arte lombardo, que tanta importancia tuvo en lo que se ha considerado como primer arte románico de Cataluña.

La leyenda y las desbocada imaginación del algunos cronistas ha rodeado al monasterio y a las cercanías de narraciones fantásticas. La leyenda más antigua, recogida por el cronista Pujades y por Verdaguer en su Canigó, explica que, hacia el año 600, unos clérigos que huían de Roma en un barco desembarcaron en la costa pensando que habían llegado a Francia. Los religiosos escondieron, entre otros, el brazo y la cabeza del apóstol San Pedro para librarlos de la profanación, porque Roma se encontraba amenzada por las invasiones. Con el tiempo se edificó el monasterio en el lugar en el que habían escondido las reliquias.

Las primeras referencias própiamente históricas de San Pere de Rodes son del 878. La independencia del monasterio y su reforma constructiva, señal que había adquirido más relevancia, tuvieron lugar en tiempos del noble Tassi, entre los años 926 y 944, que obedeciendo un precepto del rey Luís, que nombraba a su hijo Hildesindo primer abad del monasterio. Hacia el 958 se acabó la cabecera de la iglesia, que selló así una primera etapa constructiva donde es fácil apreciar rasgos mozárabes, como el gran arco toral con una tímida forma de herradura que da entrada a la nave central. La iglesia fue consagrada por el arzobispo de Narbona Guifredo en el 1022.

Anunciación y Adoración de los Magos

2008-10-02T23:36:00.004+02:00

-de Guido di Pietro da Mugello (1390 - 1455)

Embarco de Carlos III en Nápoles

2008-10-01T00:56:00.000+02:00

(de Antonio Joli 1700-1777)
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Adoración de los Magos

2008-09-30T18:46:00.000+02:00

de Guido di Pietro da Mugello (1390-1455)

Mosaicos de Justiniano y Teodora

2008-09-29T00:21:00.000+02:00

Lo que llama la atención de estos dos mosaicos es la amplia gama cromática conseguida a partir de una gran variedad de teselas hechas de materiales vidreos o dorados. Las formas son precisas y están configuradas con piezas muy pequeñas. En contraste con las escenas mucho más sobrias del Antiguo y el Nuevo Testamento, que también son presentes en el programa iconográfico de la Iglesia, los creadores de estos mosaicos reflejaron gran lujo, especialmente en el mosaico de Teodora y su corte, donde se puede observar túnicas valuosas, brazaletes, anillos y peinados de una gran riqueza y complejidad. Las figuras son majestuosas, sobretodo la del emperador y la de su esposa, que llevan una aureóla como señal de divinidad. Para destacarlos de los otros personajes centrales la pareja tiene uns vestidos más oscuros y unos rasgos faciales mucho más personalizados.

(Autoría desconocida-Cronología 547 d.C.)

Estos mosaicos los encontramos en las paredes del ábside de San Vitale de Rávena y representan al emperador y a su mujer con su respectivos en el momento de consagrar la nueva Iglesia. El primer mosaico es presidido por Justiniano con un recipiente de oro en las manos, su ofrenda, a su lado aparece Maximiano, el obispo de Rávena, y es acompañado por tres miembros más de la Iglesia que simbolizan el clergado, y al lado izquierdo dos generales, el de la barba es Belisario, el general que conquistó Rávena, que simboliza el apoyo del ejército. Un soldado lleva un escudo que ilustra la cruz del crismón del Salvador, emblema de Constantino, primer emperador romano que aceptó el Cristianismo. En cada extremo del mosaico, y por tal de delimitarlo, hay dos ricas columnas corintias.

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El mosaico de de Teodora y su corte, gemelo del anterior, muestra la ofrenda de Teodora, ricamente cubierta de pedrería y rodeada por un séquito de damas y eunucos. Para dar una idea del esplendor de la corte, el mosaico también incluye cortinas de fondo. La puerta por debajo de la cual pasa el grupo sirve para producir una sensación de movimiento. Los artistas demostraron la maestría consiguiendo dotar de expresión las caras: si Teodora exhibe magnificencia y determinación, Justiniano transmite autoridad. Las figuras son planas y alargadas, unas características que, junto con los ojos de mirada fija que recuerdan el período arcaico griego, se traducen en un marcado hieratismo y en una atmosfera irreal.

Templos del foro de Sbeitla

2008-09-28T00:19:00.014+02:00

Templos dedicados a la Tríada Capitolina situados en el foro de la antigua Sufetula, actual Sbeitla (en Túnez)

Idylle

2008-09-27T20:56:00.002+02:00

de Gustav Klimt (1862-1918)

Tesoro del Carambolo

2008-09-26T14:02:00.014+02:00

La meseta del Aljarafe que limita al poniente el valle inferior del Guadalquívir presenta sobre la Vega de Triana un conjunto de pequeñas elevaciones también llamadas carambolos, que son el resultado de los bordes más escarpados de la Meseta, entre dos de estos cerros se encuentra situado el Carambolo, que es precisamente el enclave de este fastuoso tesoro tartésico entre otros importantes restos.

El día 30 de septiembre de 1958, en el curso de unas obras de ampliación, la azada de un jóven trabajador descubrió un objeto metálico que había de ser el primero de los brazaletes de oro de 24 quilates, el hallazgo se daba una vez más por casualidad, el arquitecto momentos antes de marchar, había mandado excavar 15 cm. más para mejorar la obra que estaban realizando.

Por fin encontraron un lebrillo con los bordes curvados que contenía el resto del magnífico tesoro, en un principio pensaron que serían imitaciones de cobre de joyas antiguas y las repartieron entre los obreros, incluso uno de ellos para demostrar que eran de cobre y node oro partió uno de los pectorales que de no ser por eso se encontraría como el resto de las joyas en perfectas condiciones, finalmente decidieron entregar las joyas.

El tesoro está formado por 21 piezas de oro de 24 quilates con un peso total de 2950 gramos, joyas profusamente decoradas con un arte fastuoso a la vez delicado y bárbaro, con una notable unidad de estilo y un estado general de conservación satisfactorio. Este conjunto suele dividirse en dos lotes, uno de influencia oriental formado por un pectoral, ocho placas rectangulares que debieron pertenecer a una corona y un collar con pasador bitronco cónico y otra agrupación similar en la que aparecen dos brazaletes de 10 cm de anchura, típicos de los ajuares célticos. Las piezas fueron ocultadas dentro de una estrucutra oval en la que además había abundantes huesos de animales y cerámica el tipo que se ha denominado "Carambolo" lo que ha hecho pensar en un posible espacio de culto o desinado a algun ritual.

La interpretación más aceptada afirma que servían de adorno para un dignatario religioso o político, o quizás para dos; una interpretación reciente propone la posible utilización de algunas piezas en el adorno de toros sagrados basándose en paralelos arqueológicos y etnográficos. La cronología de este conjunto puede ser fijada en sus límites más amplios entre los siglos VI y VII a.C. y según afirmaban es un tesoro digno del mismísimo Argantonio.